Pixelbread像素麵包/藝術評論/視藝/淺談純藝術 - 一個人來籌備及實行的展覽 (前篇)

Pixelbread像素麵包/藝術評論/視藝/淺談純藝術 - 一個人來籌備及實行的展覽 (前篇)
http://www.pixelbread.hk/review/15-12-25-24676

早期工作

當決定了需要實行一個展覽時，第一個需要面對的問題就是展覽場地，因應來自不同條件的限制，如支金、場地可用展期、人手等等，對於展期的要求可說相當被動，甚至是合適的場地方面能夠提供到什麼時段，就以什麼時段作為展覽期。始終一個純藝術的展覽，多數的情況下都需要展覽場地的配合。

如何才算是一個合適的場地，這一點就需要以作品的要求來主導，作品的類別可以決定場地類別，是傳統藝術如油畫陶瓷，或是裝置藝術以至地景藝術，基本要求都在其類別上說明了部份。而展出作品的數量和尺寸，就定下了對空間大小的要求，因為以作品的大小，加上作品和作品之間的距離，就會得出展場尺寸的需求。當然這又是理想化了估計的結果和現實的情況。不過是那一個原因也好，能夠定下展覽期，其他的問題相對就容易地處理。
在上述尋找展覽場地的同時，不要只忙於這一件事，同步還有很多工作等著安排和處理。就如展覽中序的文字工作，其實早期工作的文字工作量並不算多，主要都是為展覽的中心思想寫出序，序的內容基本上就是展覽形成的因由，是個人原因或是外在因素或是社會現狀，這文章的用途很廣，如新聞稿、場刊、展場的入口簡介等等都可以用上，這一環節早一點完成對整體工作定有幫助。

另一方面，雖然展覽場地仍未確定，但作品的基本內容應該變化不大，尺寸亦應該相約，先要作出一個作品位置的大綱，問題應該不大，而且這大綱只是初步的聯想，有助於日後的思考和易於修改，始終在早期工作的階段，要決定所有作品或其位置並不會因任何因素而修改，肯定是有一定的難度和不切實際，這一個作品位置大綱的主要目的，在於掌握多一點展覽的細節。看看以下一個例子，展覽目的是展出數年間的成果，一共有十數件作品，作品媒體包括錄像、攝影、裝置等，在這結構下可以把作品以年份分類，由早期開始，目標是把一個創作流程由早期至近期來展示到觀眾眼前，這樣基本上就定了一個作品的位置大綱。除作品外，亦需要為周邊的配套定下一些要求，例如需要這些東西嗎，如接待處、接待人員、現場派發場刊、開幕酒會、進入展場前的展覽背景板或展場地圖等等。基本上這就可以把初步的大綱定下來，而這一部份亦會變成中期工作的部份內容。當然最佳的情況就是在這一刻已經確定場地，這就能夠直接地作出初步設計。

而展覽期方面，基本上亦心中有數，可以得到多少日子或自己能夠負擔多少日的租金，這樣便可以計算另一部份的時間分配，就是裝置及拆卸展覽時間，安裝時間一般都比拆卸的時間為多，相對比率是多少就沒有定論，這會因應展品的需要而不同，但估計裝置及拆卸的時間，能夠同時大約地估計到人手的需求，對分配人手或增加人手做了一個預測的準備，到了中後期的階段，安排工作就會更易掌握。

至於展出作品的現況同樣需要關心，這會影響到裝置及拆卸的時間，所以有需要了解到展出的作品狀況，作品類別是已完成作品、半完成作品或是現場裝置的作品，因為裝置的時間可以是倍增的，因為這三種情況在裝置的模式上有根本的不同。已完成作品如油畫或陶瓷，只需把作品掛好或按放在底座上就可以。半完成作品如裝置藝術，基本上以完成作品的大部份，裝置方式亦可能已經定好，所用時間亦可以被計算作出準備。而現場裝置的作品，如大型裝置或地景藝術或戶外裝置，由於受不同條件或元素的影響，需作在時間估計上作出更大的預算。

這就是筆者所相信在展覽安排上的早期工作，並且曾經按照這方式來實行。

謝諾麟
二零一五年十二月二十五日

文匯報 2015-09-01 (Tue) A37 文匯副刊 - 藝評：淺談純藝術之一個人來籌備及實行的展覽
http://paper.wenweipo.com/2015/09/01/OT1509010015.htm

展覽從來都是純藝術（Fine art）中重要的一環，不論是哪一種形式的展覽都是有相同的功用，就是表達或傳達某一些事情，這些表達同時存在於藝術家或是策展人身上，當藝術家（們）認為是展覽的時候或是策展人清楚見到某一些現象而作出表達時，一個展覽的工程就會展開。

把展覽視之為工程，是因為當中包括了工程般不同類型的工種和很多需要留意的細節。一個展覽基本上建基於藝術家或策展人，但是展覽分出的枝節就可以無限伸展和附有不同人手的需求，伸展的多寡就取決於當事人對展覽的要求，而藝術家在進行一個展覽時，除開支外，另一個客觀而又需要面對的問題，就是人手問題，因為在整個展覽由籌備到實行，可能都是只得藝術家本人，而本文就是由一個人的角度來實行展覽為基礎，在展覽工程外，藝術家本身同時亦需要顧及自己在藝術創作上的工作，因為創作才是他們真正的工作，但文中不會提及這一點。至於文初談到對展覽的枝節多寡，完全是取決於自我的要求。另外本文亦不會談及藝術家或策展人在概念上的要求，單從一個展覽的實際工作和需求而分析。

假如把展覽的工序分拆，筆者會把它們分成三個部分，第一部分是早期工作，包括找尋展覽場地，因應作品的尺寸大小和數量，來選擇不同類別和大小的展覽場地，亦需要定下展覽期及裝拆展覽時間上的設計。在展出的作品中，需要了解作品類別是已完成作品，半完成作品或是現場裝置的作品，因為不同類別的作品，可能會有不同展覽場地的需求（請參閱文匯報 2014-12-02 （Tue） AA12 及2015-02-24 （Tue） A27文匯副刊之藝評：淺淡純藝術 之 展覽場地上篇及下篇）。初步為展出的作品，設計好其安放位置的先後，因為這可以更實在地掌握及了解到上述作品尺寸和空間的使用。而在早期的文字工作，工作量其實並不算多，主要都是為展覽的中心思想寫出序，這文章的用途很廣，早一點完成對整體的工作定有幫助。

第二部分會是中期工作，這部分可以因應不同需要或要求而增加或減少，基本上可以說成自我要求的指標，或是對展覽作品素質以外，另一個需要重視的要素。說到這一環的工作可多可少，是因為這一環的工作不少都是周邊的宣傳工作。例如設計工作，包括明信片、海報、橫額、正門裝飾、展場地圖等等。又例如是否需要場刊製作，包括制定內容、排版、校對、印刷、運輸等等。而中期工作當然不只這些事情，監測第一部分的工作進度、作品製作進度和確定場地才是中期工作的重點，始終在一個展覽中，作品的重要性是無可取代。另外當場地確定，就可以先做好場地設計及作品的分佈位置，因為這點將會影響到後期工作的部分。這是裝拆展覽時的大綱，亦可以預視到展覽在展出時的結構，這可以爭取更多的時間來思考作品和展場之間的關係是否合適。

第三部分就是後期工作，亦可以說成展覽期的前後。到了這階段的開始，第一部分和第二部分的工作，應該大致完成或處於一個已經準備好的狀態，包括作品、現場裝置及拆卸時間表、印刷品、裝置作品時需要的相關工具等等。當可以進場時，同步的工作就是運送作品及物料，裝置作品的人手安排，亦需要佈置場地、接待處、入口處佈置等等。接就是開幕，有沒有嘉賓或座談會，如有，那在中期工作時就需要安排；往後的展覽期間，是否需要安排人手來管理；而後期工作就是拆展，這部分比較簡單直接，相對時間上的控制亦比較容易。

而上述的前期、中期及後期工作，需要時間上的分佈和配合，這一點的控制則需要更為嚴謹，因為以上三部分的內容，都需要互相配合到時間的分佈上。就正如文初談到把展覽視為工程，工程就需要按照每一條死線的時間內完成，而死線的生效時間就是當展覽日期確定的那一天開始。■文：謝諾麟

 

文匯報 2015-09-01 (Tue) A37 文匯副刊 - 畢業的季節 一個「 」：另一個藝術文學士的畢業展
http://paper.wenweipo.com/2015/09/01/OT1509010014.htm

又到了畢業展的季節，感覺真的不錯，既是自我充實的時機，又是了解這個年代的創作流向，而筆者之所以喜歡參觀畢業展，是因為在展覽中都能走到不同新進藝術家的思考中，來一點點新的衝擊，這其實不錯。在各院校的學士畢業展中，不時都會老生常談，喜歡說到學院自有學院特色，在畢業展中可以一覽無遺地見到，不過這一點有些悶，還是回看展覽，七月初的就是由澳洲皇家墨爾本理工大學跟香港藝術學院合辦的藝術學士的畢業展，展覽的主題是「一個『』」， 展覽中一共有三十六人畢業，作品類別包括油畫、陶瓷、雕塑、攝影、裝置等等。

展覽中的作品整體上不錯，而其中三件作品使筆者印象最為深刻，因為每件作品都有令人印象深刻的原因，一件是差點被忽略的好作品，一件是值得深思的作品，一件是第一印象吸引的作品。

方梓亮的作品放置在展覽場中，但是在整個參觀過程中筆者並沒有留意這一組作品，正當準備離開的時候才留意到及細看，發現這是一件作品的存在感並不強，而內容就是談及當自己一個人時需要面對的事情及自我，完全是出於個人情感的創作，其存在感或一時間的衝擊力雖然不是很強，但是當細心來觀看時，才會見到作品的吸引之處。對於這作品，雖然未至於眼前一亮，但作品的細緻度不錯，值得細看。作品一組共三件，稱為「夜話（一）」、「夜話（二）」及「夜話（三）」，油畫沒有使用布本作為其中一個媒介，反而使用了舊木板，在充滿紋理、痕跡、歷史和質感的平面上處理畫作，把底層木板的紋理作為作品的一部分內容。方氏以一種平靜的手法處理畫作，在用色和筆觸上能夠見到這一點，每一件作品都是以兩層畫面交錯地展示，把室內和室外的世界重疊出另一個方氏所需要面對的世界，亦給觀者一個平靜而又能思考的平台。

朱淑玲的作品，名為「53.8」，是一組看似天秤的裝置，天秤的一端放置了一個立方體，看似有一定的重量，而另一端是一個座位；在另一錄像作品中展示了天秤是如何運作，朱氏坐在一邊和另一邊立方體進行了平衡的動作。另節錄藝術家的自述是這樣寫的「鐵方塊由一顆300g的銅粒作核心，再用薄鐵片慢慢翻捲、擠壓、敲打。它累積層次，慢慢成長，重量亦不斷增加。今天的我用自己的身體敲打出另一個身體，兩者的重量是一樣......」 。 就是這一組自述，筆者再細看錄像作品，見到這一個立方體就如朱氏所講，一層一層地把小立方體包起來。這重複的動作就如無意識的反射，而一層一層的包裹，就像人生的建立，立方體的重量亦和朱氏相同，把以上的內容加起來再和作品對比，得出的結果十分合理，亦說明了作品現有的狀況是如何建立的。這作品吸引之處在於自述中提到的幾個連帶關係和作品中呈現的狀態，都能夠思考並投入到藝術家的內容中。

每年不同的畢業展中，總有一些作品的第一印象能夠吸引筆者。而張智鵬的作品，就是帶有這一種衝擊力，作品由三件作品組成，分別名為「我幾乎不能做什麼，除了記下來（男孩）」、「我幾乎不能做什麼，除了記下來（女孩和曇花）」及「無題」。由兩幅以黑白為主的人像及一組裝置在作品背後牆上的作品組成。兩張人像的眼和頸比正常的比例為闊和長，每隻眼睛的闊度約佔面部的1/3，頸則長了兩三倍，人像的臉上貼了很多蒼蠅，在兩張人像背後的作品，是一隻隻的蒼蠅，以蒼蠅連接三件作品，所以更多的蒼蠅能夠在背景中找到。當由遠處時見到這一組作品時，一個一個的小黑點，吸引了筆者走近觀看之餘，細看就更加有驚喜，一隻隻的蒼蠅在作品上出現，更加包圍了作品，雖然這畫面令人有點不安，但衝擊力不弱，如果要找一件最深刻的作品，這會是筆者的選擇。

畢業展其實是一個有趣的經驗，不論是藝術家們或是觀眾，在參觀畢業展的觀眾中，不少可能是畢業生的親友或朋友，如果這是他們第一次參觀純藝術的展覽，會是一個不錯的體驗。而站在藝術家（畢業生）的角度，這展覽可能有密集而多種的經歷和經驗，如策展、參展、統籌工作等等，更重要的就是面向觀眾，這些經驗都會幫助他們將來的發展，特別是在香港這一個純藝術發育不良的地方。■文：謝諾麟

 

文匯報 2015-08-25 (Tue) A29 文匯副刊 - 藝評：淺談純藝術之藝術的價值（下）
http://paper.wenweipo.com/2015/08/25/OT1508250002.htm

在藝術的價值這個題目中，筆者嘗試了簡單地分為兩個概念上的可能性，一是存在於物質上的價值，另個是存在於精神上的價值，上篇的文章已經就物質上的價值進行了初步的探討，本文將主要進行分析另外一個和「藝術的價值」有關的題目，就是精神層面上的價值。

藝術的價值在精神層面上，指的又是什麼東西？簡單的聯想就是兩個形容詞，分別是「改變」和「影響」，如改變自我、改變思想、改變習慣、改變生活；影響日後個人或大眾的思考方法和方向、影響社會的文化價值觀等等。如果要嘗試在以上兩個方向上思考，就需要借用兩個接觸面，來分析「改變」和「影響」的實際關係，分別是藝術家的層面和大眾的層面。

在藝術家的層面，精神上那種藝術的價值先影響他們的基本思維和概念，再而改變他們的創作方向和思考模式，在互動的情況下，兩者同時互相影響思考的本體，即藝術家，亦不斷地拆除和重建對於藝術的價值這一個價值觀。

試舉一個例子，藝術家在認識藝術的初時，對藝術的概念和認知會瞬間增加，對有關藝術的事情會極為主動，這段時間裡得到對藝術的知識，會成為他們在創作上的基礎，而這基礎同時亦成為了對創作上的基本思維模式。然後他們在創作上，除了受到自身和社會的影響外，更主要是因為身邊的藝術創作或不同的藝術運動影響，這不在乎於當下所接觸的，而是在於接觸的時間，因為這些知識一直都存在。在知識和創作之間往來，重複而又不斷更新知識和自我推動下，在某一個角度來看，藝術的價值就是知識、就是時間物累積出來的藝術史、就是作品本身的歷史等等，而藝術家就是不斷地受到不同的藝術創作和歷史所影響，繼而改變其創作方向或路線。

而在大眾的層面上，在精神層面的藝術價值上必然是得益者，在現有的創作和藝術歷史中，已經發展出大量影響生活的東西，當中不少改變了大眾的生活習慣。而這些改變大眾生活的東西，不少都是由藝術中轉化出來，基本上就很容易找到生活和藝術之間的關連。

試用另外一個例子來解讀上文，就以藝術中的一個媒體分析：「攝影」，攝影可有改變大眾或改善大眾生活的功能？攝影這媒體存在已久，近百年間，攝影在工具、物料和技術上，可能已經有不同程度的進化和改善，在上兩個世紀開始，由玻璃底片到低感光度底片；以至日後普及於大眾使用的135底片和相機，到今時今日的數碼相片技術，由專業的一種技術，走到了大眾的世界。

攝影這一門藝術越來越普及，大眾由最初相信攝影只屬於小眾的專利，到今時今日攝影成為了智能電話中的一個必須功能。不過有一點需要留意，先出現的是人們在想法上的改變，再而影響人們的生活，亦因為在這一種互動的改變下，攝影本身的生態亦受到不同程度的影響，現階段的最大影響可說是菲林這種載體即將被淘汰，但這一點亦可以說成這是被藝術的價值所放棄而自然地絕種的東西。

藝術的進化過程深深影響世界

在藝術的價值中，把接觸面分為藝術家和大眾的層面，就正如現今社會中把大眾層面和業界區分出來，兩者在精神上的藝術價值都在藝術的背景下，影響和改變了他們在不同層面上的生活和工作。

不論起源在於藝術家或是觀眾，在互動的情況下不斷改變和影響對方，是改變也好，是影響也好，這個不斷改善生活的價值，不是已經足夠嗎？雖然只是一個簡簡單單的例子，但是見到的這個進化過程深深影響世界，當然這不能夠把功勞通通都記在藝術價值上。但是有一點筆者相信，這一個進程必然和藝術有關，只是當中的交叉點是多或是少。

如果把藝術的價格分為物質性和精神性，那麼他們的關係是什麼？是對立？是平等？是互不相關？還是兩者都獨立於對方？筆者相信沒有一個定論，他們之間既獨立，而且關連，只是帶有千絲萬縷的關係，沒有一方是絕對正確。而且本文只是簡單地把藝術的價值分為物質上和精神上，應該可以再在這兩個對立面的中間位置落筆，灰色地帶會帶來新的景象。■文：謝諾麟

 

文匯報 2015-08-18 (Tue) A29 文匯副刊 - 藝評：淺談純藝術之藝術的價值（上）
http://paper.wenweipo.com/2015/08/18/OT1508180003.htm

藝術的價值是什麼？也許需要修改一下發問的方法，改成藝術的價值應該以什麼東西來衡量呢？本文就試試談及這一個話題，先簡單地以物質和精神這兩個觀點來作開始。

藝術的價值是什麼？以物質角度上分析，絕對和金錢掛，每當在報紙頭版中見到藝術品，不是有關藝術品以天價賣出，就是什麼什麼地方展出的作品超過某一個金額，也許在現實的社會中，這是難以分開的一環。

當藝術品有其本身的藝術市場的同時，它又是一件商品，它們經過不同途徑進入藝術市場，這個藝術市場指的是畫廊、藝術館、收藏家、拍賣行等等。其價格就是以上單位在不同原因、背景、理論下，以金錢來衡量或是計算的其價值。

就以上的方向來看看兩個例子，一件藝術品以億元在拍賣行賣出，價值是什麼呢？一件受到藝術館資助的藝術品，公眾竟以成本價來質疑資助金額，既然藝術館有一定機制，為什麼會受到質疑？質疑的主旨又是什麼？

作品的價值是複合性的結果

一件藝術品以億元在拍賣行賣出，得出這一個價值的原因可以是多個元素結合下的結果，由主要的藝術家因素、創作時期、背景、作品年代、某一個藝術運動的起源、藝術家仍然在生等等，以至商業因素、投資、熱潮等等，這可說需要天時地利人和的條件下，才能夠造就一件天價的藝術品，而且得益者多數都不是藝術家本人，這一點有機會再談。但本段希望指出，若果以物質性的角度分析，作品的價值並不是單一元素及客觀的條件下造成，而是複合性的元素所組成的結果。

另外一件作品，是早前有報道中談及，有關一件藝術館資助的藝術品創作，以香橙砌成了一座香橙金字塔，先不談其背後的創作理念或背後的創作動機是否沒有問題，但焦點就放在藝術館給予的創作費和作品的成本作比較，一個香橙多少錢，砌成這個香橙金字塔一共用了多少個香橙，實質使用金額就是多少，質疑者認為作品的價格就是在於其物質上的價值。若果使用這個概念，筆者真的想問一問那些質疑作品價值的觀眾，那一件上億元的天價作品，多少錢用於畫布上？多少錢用於畫架上的木材？多少錢用於顏料和繪畫工具上？是否要計算其實質工作時間？就是因為拍賣行給予的光環就不容置疑？這根本就是雙重標準。

這兩個例子雖然是獨立事件，但是在金錢這價值單位上出了對立的結果，一邊是正面支持，另一邊是負面的質疑，這應該不單單只是建築在金錢之上，這完全是一種偏見，在直覺的聯想下，完全和自身利益間接受到影響有關，天價的藝術品在拍賣行競投完全出於私人或商業因素，而香橙金字塔就是因為得到資助而受到質疑。對比觀眾在價值上的標準，本身也有一個分期，雖然藝術的價值沒有一個絕對客觀的標準，但亦不至於出現這類型對立而走向極端的觀點。

藝術教育不足引申的質疑

這些現象和問題，其實一直都發生在香港。如果把藝術放在香港這個地方討論其物質上的價值，藝術就只是一件裝飾品，一件寄生體，本身不具備完全自我存活的條件，純藝術在香港這個發育不全的藝術生態中，兩極化的現象十分普遍，而且不少的情況下都會受到不同程度的質疑。或者這問題就是出於筆者所相信的藝術教育上，當藝術教育在不足夠的情況下，就很容易出現這一種質疑，有關藝術教育為什麼或是如何導致這些問題出現，這一點有機會再談。

如文中談到的內容，筆者並不同意藝術的價值只在金錢上，如果衡量藝術的價值真的在於多少錢的畫布？多少錢的木材？多少錢的顏料？那麼你們還會關心和留意藝術嗎？本文下篇的文章，就會談到藝術的價值在精神層面上是什麼，新概念的出現是如何改良或改善生活，也會分析藝術在思考層面上的價值。■文：謝諾麟

文匯報 2015-08-04 (Tue) A25 文匯副刊 - 藝評：此身幾何--何兆基作品展
http://paper.wenweipo.com/2015/08/04/OT1508040003.htm

上一次觀看何兆基的作品已是2013年12月，對當時的作品印象依舊記憶猶新，而在今次展覽所展出的作品，除了同樣可以使用上次得到的觀看和分析的經驗外，何氏在今次的展覽中更加入兩個具吸引力的元素，包括了在展覽開幕時的互動的行為演示，以及在展覽中展出的作品觀眾都能接觸體驗。

展覽開幕前，門外已聚集了數十人甚至百人在等候，這是因為何氏將會在展覽開幕時，同時在進行一個行為演示，在純藝術的展覽中，門外等候觀看展覽的情況並不常見，這一個景象更是很少出現。

主持在開幕致詞後打開大門，何氏就坐在門後開始其行為演示，何氏透過身體和作品之間的互動，在四件作品中展示出作品本身的結構和特性，亦透過身體對作品進行特定而又重複的動作，改變作品非固定形態的部分（四件作品都有一部分由砂所構成），刻畫出作品的部分狀態，以及觀察其形成，亦可理解成作品需要經過重複的行為來完成作品。

「半合」‧「觀聲」 「立砂」‧「步庭」

「半合」，是一組兩人同時運作雕塑裝置，兩人透過推動安裝在牆身上的裝置，在其中半圓一邊的地上鋪了砂，透過裝置在砂面上畫出痕跡，這痕跡建築在同中心圓上，外觀看似是擴散式的波紋。

「觀聲」，就如其名，觀其聲音，何氏透過麥克風接收聲音，經擴音器在喇叭中播出，喇叭上方，放置了一個圓形鐵盤，盤中放置了砂，就是以這一種方法，觀察砂的移動。亦如其名借助裝置來觀察聲音。

「立砂」， 一組兩件的作品，一邊是金屬製的圓錐體，另一邊是以鐵支做成的直角三角形，連接在圓錐體同樣直徑的底座上，直角三角形可以自轉，自轉一圈尺寸即和圓錐體相同。在圓底座堆積了砂，直角三角形能夠掃走多出的砂，只要一直把砂加上並以直角三角形控制外形，那麼就能夠以砂來堆出鐵製圓錐體同樣的外形。

「步庭」，何氏在一個約四米乘四米大的砂地上，以大型圓規畫出不同大小的圓形，圓心一共有十二個，並在每個圓心放置了個圓形的銅章，每個銅章上都刻了不同的有關圓的名詞。遠看作品的外觀，就像雨水滴到水面上所產生的漣漪。

文初所提及的作品能讓觀眾接觸及體驗，是因為筆者在一段有關這展覽的訪問短片中，見到何氏提到讓觀眾來體驗作品。這就說明作品不單只是開始時的行為演示，而是三者之間的聯繫，包括開幕時的行為演示、作品本身和觀眾的體驗。

使用身體表達出作品的運作

何氏展示出如何使用身體來表達出作品的運作，繼而展示出作品應有的形態或作品的經歷，最後讓觀眾體驗作品，嘗試理解何氏創作時的體驗。把相同的經驗或經歷帶給觀眾，比起觀眾自行閱讀作品來得更直接和簡單，雖然過程中聯想的方向可能出現不同，但經過身體的經歷，觀者可能在作品中，站在和何氏相同的思考起點。

筆者對於何氏在演示中，透過身體對作品重複的動作最感興趣，何氏在演示時處於一個靜的狀態，嚴肅地進行整個演示的過程，對於在四件作品中進行重複的動作，是自主但同時亦受到作品的條件限制而只能做出特定的動作，透過重複的單一動作來觀察作品，是律己、是修行、亦是思考，以觀察作品不穩定部分的微細改變，當中作品「立砂」最能感受到這一種狀態的存在--在作品中需要一直把砂粒堆上，當到了某一高度後，砂粒在每一次堆上的同時，就會有更多的砂粒跌落，把作品完成就需要一種持續的堅持。

而在整個展覽中，何氏在行為演示後的致詞中，其中一點提到的內容，使筆者印象深刻，大意是指在家中有一個藝術家，家人需要有很大包容度、體諒及支持。這說法可能是因為活在香港這個地方，確實充滿太多不同形式的現實壓力，這話也更使人體會到在香港做藝術家需要有多大的堅持。■文：謝諾麟

 

文匯報 2015-07-14 (Tue) A31 文匯副刊 - 又來到了畢業展的季節 - 2015浸大視藝本科畢業展觀感

文匯報 2015-07-14 (Tue) A31 文匯副刊 - 又來到了畢業展的季節 - 2015浸大視藝本科畢業展觀感

http://paper.wenweipo.com/2015/07/14/OT1507140002.htm

2015香港浸會大學視覺藝術院本科畢業展，是本年度第一個藝術學士課程的畢業展。一般在藝術學士的展覽中，由於多數都是新進的藝術家，所以觀看的重點不是以筆者所喜歡的創作系列連帶關係為主，而是觀看他們在創作上的起點，這起點是指方向、內容、物料、手法的準確度，以至往後發展的可能性。在這畢業展中亦見到不少作品都帶有某一些共同元素，如日常生活、「輕」的這一種狀態，以至個人經歷及情感表達於作品中。展覽中是有不少作品都值得留意和細看，而這些作品亦把筆者吸引，往下的就來看一看這幾位藝術家的作品。

《碎片》＋《自白》＋《難以盛載》＋《話窗》

連嘉希的作品《碎片》，把用作保護其他物品的泡泡布，做成一片片白色及看似易碎的薄片，加上在作品的自述中提到 「保護和被保護的角色變得模糊」，這使作品的閱讀性更為增加。先由泡泡布作為主體，連接到複製成易碎的泡泡布，借兩者之間的矛盾來探索保護和被保護之間的關係。這種關係之對立，就作品的展示方法不難發現，因為複製的泡泡布就是放在真正的泡泡布之上，反過來問，保護的為什麼會變成被保護的，是隱喻還是其他原因，作品中未能閱讀到。而作品如果能夠以透明而又易碎的物料做成，這種矛盾關係會更為突出，期待這一系列的下一件作品。

杜筠怡的作品《自白》，是一個聲音裝置的作品，在一個只能容納一個人的房間中，放置了一張，一張凳，一支麥克風和一個裝滿了水的透明圓柱體，透過麥克風把聲音的傳遞，轉化成水中的氣泡，杜氏借此為一種更新自我的修行。這是一件個人化的作品，但不難找到對大眾溝通的通道，筆者在對比作品和自述的關連時，聯想到的並不單只是自白，而是告解，這一點可能扭曲了杜氏的本意，但作為觀眾，在這一個環境和聲音透過水來形象化的畫面，第一觀感就像告解，把告解的內容具象化成氣泡並釋放出來。這點並沒有衝突，兩者都是透過聲音來傳遞一些事情，只是對象是自己或是他人。

梁麗雯的作品《難以盛載》，五張一組的水墨設色紙本，畫作的內容是香港一個特有的現象，因為香港的居住環境擠迫，把衣服晾曬在窗外，絕不是一件奇事，而且相當合理。但梁氏指出了一個十分有趣的觀點，晾曬的衣件中包括了內衣褲，本應是私密的東西，但是卻毫無避諱地晾曬在面向公眾的窗外，這一個位於私人空間和公眾地方之間的灰色地帶。雖然作品中沒有指出這種關係是對是錯是好是壞，只是展示了一個事實和使人關心的題目。但作為一個階段性的作品，它呈現出一個合適而又理想的狀態，也具有概念上和作品的應有質素。

陸家慧的裝置作品《話窗》，是一件由經歷主導的作品，陸氏在某一個房間中，無意中見到窗外的光投影到牆身上，自此再沒有見到這一個投影。這一組裝置作品的形態，相信是陸氏希望重組那一刻的景象，包括凳和位置，只有窗外的投影，借用了投影機來再次隱約地呈現在眼前。這一次無意的經驗下，陸氏期望透過作品尋找某一種曾經擁有的經歷，作品以一種輕的手法處理，起初還以為牆身上的投影是真，細看時才發現到這是投影出來的影像，筆者之所以喜歡這一種以「輕」處理的手法，是因為這一種模仿需要留意的是細節上的細緻。

透過作品 理解年輕人

這一次畢業展中，其實有不少作品值得留意和細看，只是以上幾位藝術家的作品在第一印象就能夠吸引筆者的目光，由創作的路線、風格到思考的模式都值得留意和分析，如文初提到，作為階段性和起步式的創作，這些作品都帶有可延續發展的空間和可能性，而持續的創作可能就是藝術家們下一個面對的問題，這亦是不少藝術系畢業生所面對的一個重大問題。

在觀看學院的畢業展覽時，不時都會談到院校特色或影子，而在這一次展覽，類別方面可說是十分多元化，不論在主題、內容或媒體，展覽中並沒有單一化的創作類別或影子，這是有助於平衡藝術環境生態，而百花齊放本身就是這個生態應有的結構。同時筆者在展覽中，另一件所關心的事情，就是能透過作品的內容，來思考這個年代的年輕人所關心的事項、情緒，因為只有藝術作品才能夠具象地表達到內在和外在的情感，這些事情亦應該只有在藝術系的畢業展才能找到。■文：謝諾麟