Pixelbread像素麵包/藝術評論/視藝/人的作用 – 看”《閃》梁譽聰個人攝影展”
http://www.pixelbread.hk/review/13-06-21-9531

人活在城市中，就會不知不覺間自我渺小化，不是因為人進行自我弱化，而是因為生活著的地方實在太大，人類就顯得極為渺小。在世界上，雖然人類這一個物種的能力對比大自然的能力實在是強弱懸殊。但是人絕不會因此而忽視自我存在的意識，反而更加反思存在的價值，當然它們兩者之間充斥著相當多的矛盾，以上提及的問題，或者在「New Light IV:《閃》」梁譽聰個人攝影展中或可找到一些概念。
在「梁譽聰個人攝影展」一共展出了九件作品，以《閃》這一單字為主題，在每一件作品的旁邊都沒有標題 (caption)，這個狀況會有兩個取態：一是把所有的作品都以《閃》這個名稱定為共同的標題，或是把所有展場內的作品視為一件作品。筆者的取向為前者，因為作品和作品內容之間只有間接的聯繫。在觀看梁氏的作品時，必需要一些時間來仔細過濾一下作品的內容及其細節，才能夠閱讀到梁氏的語言，亦了解到他對這一種矛盾做出的對抗。
當進入展覽場地時，見到所有作品都是風景照片，驟眼間目光立即被一張闊度大約因為兩米的作品所吸引，這是一張石峽尾的風景照，相中的兩邊可見到石峽尾邨，中央位置是賽馬會創意藝術中心，遠處的位置隱約見到觀塘區的建築物。這一個空間內充滿人造的元素，主要為新舊共存的建築物，寫實地說出活在這兒的人就是生活在這個新舊交集，而且密集度極高的地方。但上述所講的並不是這組作品的主題，因為當目光放到作品的細節時，他的亮點即時蓋過了表面所見的東西，並會重新思考作品內所發出的聲音。或者說這一個亮點就是進入作品的鎖匙。
在該作品的中下位置，賽馬會創意藝術中心天台的右下方，在樓梯旁邊的牆身給燈光照亮，而燈光照亮的本體是一個人。人雖然被燈光照著如發亮般，但是在這作品中，因為比較了作品空間的投放大小，以及渺小化和無視化了人的這一個元素，在這一個處境下，巨大的環境空間配上細小的人，這種對比和矛盾就如立竿見影般把大量問題帶到眼前，就如細小的人對比城市，如何自處？如何存在？人雖發亮，但被渺小化，在對比巨大的環境和空間下就如無物，為何要發光？還有更多更多的問題可以想到，這亦可能是梁氏在作品中的刻意安排，因為同場展出的所有作品都同樣地帶有一個被燈光照亮的人，那個人相信並非藝術家本人，因其他作品上都是同樣找到這個的形式，但被照亮的人都是不同的人。這樣觀者便很容易代入環境和位置，大量的聯想亦隨之而來。
梁氏在《閃》這個展覽中展出的作品都帶有上一段文章提到的元素，在不同環境和比例下都帶有異曲同工之效。同場有另一件作品，在選取場地上和其他的作品有一點點不同，亦帶出另一種矛盾，該相片的內容集中在一個大型的建築地盤上，旁邊只有一座細小的建築，被照亮的人就在那建築的天台上。這一件作品帶出的矛盾和整體作品所提出的矛盾有所不同，不是要說出人的渺小，而是在說明人如何吞食環境。作品中雖然沒有任何的大自然環境元素，但建築地盤本身就是破壞的成果，不論破壞的是大自然或是舊建築物，這只是其中一個在梁氏的作品中找到的聯想。
另一點作品上吸引之處見，就是在作品中被照亮的人，作品中的人雖然被燈光照著，彷如發亮般，但光度只能僅僅照亮他身旁的空間，並早已被周遭的大城市所吞噬。人的出現，只是一個媒介和另一個媒介之間的連接工具 (媒介可以指的是環境/空間/城市/人等等)。如上一段落，文章中提到的建築地盤，人就是連接環境被吞噬過程的工具，同時有效地放大及對焦這一種關係。而'人' 這個元素同時被作品渺小化，無視化及去個人化，這能夠把任何人代入作品中 '人' 的這個身份，觀眾很容易就會和作品拉上關係，藝術作品就不再是在那遙遠的他方，而是近在咫尺。這樣對觀眾來說，便為作品的內容進行思考，不論思考的是藝術家的訊息，作品的表像，或是觀眾聯想到的一切等等。
對於筆者所相信，藝術家在創作時總有一些隱藏的訊息有待觀者閱讀，這些訊識的內容可能未能夠傳達到觀眾，觀眾亦有機會錯誤閱讀或是未能接收，但是作品中能夠帶出什麼結論真的是那麼重要嗎？只要作品能夠使人進行反思，那樣不是已經足夠了嗎？
謝諾麟
 二零一三年六月二十一日
~~~完~~~
展期由即日至6月30日

文匯報 2013-06-18 (Tue) A28 文匯副刊 - 藝粹：油街實現 建築與觀眾的全新互動

 

 "文匯報 2013-06-18 (Tue) A28 文匯副刊 - 藝粹：油街實現 建築與觀眾的全新互動
http://paper.wenweipo.com/2013/06/18/OT1306180001.htm

　香港，北角，油街十二號，「油街實現」——前身為香港皇家遊艇會，其後改變用途成為政府物料供應中心。在物料供應中心遷出後，這地方短暫地成為了一個藝術村。十年空白的流離時光過去，再次聽到有關這地方的消息時，它已經再次變成了一個藝術空間：「油街實現」，並在今年5月22日起再度對外開放，開幕展覽名為「起動！油街實現」。新的場地和藝術家之間建立了怎樣的關係？對觀眾又能夠起到甚麼樣的作用呢？ 　■文、攝：謝諾麟
　充滿舊英式氣氛的兩層高建築，數十年歷史的地磚，紅色的磚牆，白色的木製屋頂。經過翻新後成為了今次展覽的場地，展覽展場位於建築物下層的四個房間內，展出四位藝術家的作品，包括：原弓、曾建華、鄧國騫及Cdric Maridet。但放在觀眾的面前的不只是藝術品，安放著藝術品的建築物同樣帶有極大的吸引力——建築物本身的個性及其歷史性可能會弱化作品的聲音。在這種生態環境下，展出的作品都有不同的取態，有的因應場地而再思考，有的因應建築而變化，有的繼續本身創作的風格，還有的重新製造空間來安放作品。其中有兩位藝術家的作品為筆者帶來了有趣體驗——原弓和Cdric Maridet的作品，分別運用了兩種不同但對立的處理手法，各自利用了場地特性與隔離了場地特性。
　原弓的作品《在一起》透過造霧裝置，定時在建築物的屋簷、樓梯和樹上釋放出一定分量的霧。霧會在很短的時間散出，在那一刻，建築物就如被一層霧包圍著，不論是置身其中或是在遠處觀看，建築物上都如加添了一層霧化的影子，但霧很快就會散去，恍似借用霧化來反映時間和建築物之間的關係，以及作品本身的存在性。而建築物和作品互相聯動的關係下，他們兩者就像同化在一起。觀眾置身在這一種狀態下，他們對作品，對這環境，或是對建築物的互動等等感受，定會聯想到一些特有的想法。
建築物空間中的全新動力
　而Cdric Maridet的作品《影子的力學：水的日子》是另一種場地使用取態，他的作品放置在另一個展覽廳內，因為出入口都會關上，又只有作品本身帶有光源，所以展覽廳內主要的光源都來自作品。置身在展覽廳內，觀眾便會感受到沉重的機械低鳴聲。而充斥在這個空間中的元素，其實來自作品本身——在展覽內放置了數台帶有齒輪，能夠自轉及附有燈光的裝置。每當燈光射向裝置並把裝置的影子投射到牆上時，裝置的展影便佈滿了四周牆身。這些元素建立了作品的形式：由隔離的空間，機械的展影，到沉重的聲音組成，他們在告訴觀眾這不單是以視覺接觸的作品，而更是需要去感受的作品，彷彿在訴說這個空間中的元素才是真正的展品。
　在這樣一種處境下的展覽，藝術家定會因應場地，為作品製造一個合適的展覽空間。然而作品安放在這種既新且舊、而且十分有個性的建築物內，觀眾的眼光可能會被分散或是模糊，他們看到的是建築物的歷史，是展覽的內容，或是作品的聲音。因而，「油街實現」這一空間帶來了新的動力，同時對作品亦帶來了矛盾。在展覽空間不多的香港，雖然不少展場都採取了隔離本身建築物個性的方法，如灰色地台漆，白色的牆身及天花。但在「油街實現」的展場中，卻保留了不少固有東西，令場地選擇多元化——而對於將來場地的可用性，則有待將來的使用者去開發，畢竟這是一個新生的空間。
　除固定的主題展覽外，圍繞著「油街實現」的部分牆身上，亦用作展出藝術品，展出的位置是在院內的公眾空間：在建築物面向的牆身上。沒有了展場的限制，可說是善用了空間，並與觀眾拉近了距離。現在，已經有數組藝術作品裝置完成，主題各有不同。當中一組單純以鹹水草編織的向日葵形態的裝置，最能捕捉觀眾視線——當觀眾進入「油街實現」，從遠處便已能看到。這就是岑嘉慧的作品《鹹水草雕塑》，作品內的物料以鹹水草編織，岑氏在物料和手法上都進行了一種新嘗試，亦是對物料的取態。對比她另外一組以不銹鋼網做的玫瑰《三》（現安裝在賽馬會創意藝術中心內），這次的作品在物料質量上作出了選擇，放棄現成物料不銹鋼網，改為直接由鹹水草編織出她所需要的密度、形狀和大小，成功擺脫了之前作品在物料上的限制。
　「油街實現」的場地過去曾經被稱為油街藝術村，村內集藝術家、藝團、展覽場地和表演場地等於一身。對觀眾是一種方便，亦是教育。在不普及的藝術教育下，這地方發揮了培養藝術工作者及觀眾的能量。現在這個充滿個性的建築物再次成為了藝術空間，觀眾或許會把現在的空間和過去的藝術村作比較，但這樣並不公平，就如我們不會把香港皇家遊艇會和油街藝術村作比較，因為他們本質已是不同，只是在不同的時間下使用了共同的空間，但發揮的功能亦因位置而有所改變。
　到最後「油街實現」能夠成為甚麼？做到甚麼？又能夠帶來甚麼？或者就如建築物本身的故事，只有時間才能帶來答案。又或者如筆者般相信：「藝術就是要不斷提問。」問一問這建築物有甚麼東西能夠帶給自己，或許已會得到新的觀點。
「起動！油街實現」
　「起動！油街實現」是油街藝術空間起動的項目，為本地與海外藝術工作者以及社群提供對話及交流的平台。三位本地藝術家Cdric Maridet、鄧國騫及曾建華，以及來自內地的藝術家原弓，會因藝術空間的特有條件及鄰近環境因素和社群為靈感進行創作。
展覽時間：即日起至8月18日 上午10時至晚上8時